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viernes, junio 24, 2022

Crítica a dos exposiciones en Pereira

Es tendencia

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*Estivel Mertignan

PINTAR / DIBUJAR EN LA PARED
¡El dibujo se aleja de las modas que la pintura añora! Lo anterior conlleva a dos acepciones, la primera enuncia un notable comportamiento del dibujo como un “algo” que aparece y desaparece dentro de una lógica que no responde al cambiante y sui géneris mundo del arte tan cercano al capital. El dibujo resurge cuando se le creía muerto como práctica que excede el reconocimiento de lo real. Se dibuja como un acto de rebeldía, como una actividad esencial, a mi modo de ver íntima, de allí su potencia: hacer un viaje al interior, pero sobretodo, saber regresar.

Lo segundo en la sentencia afirma que, por el contrario al dibujo, a la pintura sí la afectan las modas y que ella añora los cambios que se imponen desde afuera. La moda en la pintura ocurre cuando se perciben lugares comunes con preguntas parecidas y modos de hacer reiterativos. La pintura no es como el dibujo, ella no puede desaparecer mucho tiempo porque entonces se decreta su muerte. Para evitar la moda entendida como tendencia del querer hacer arte al pintar y al mismo tiempo pretender decir algo sobre la pintura, usa picnolepsias reparadoras que la ubican en planos de exigencia superior: una manifiesta metafísica convertida en matemática. Por esta razón existe tanta confusión al pintar, ya que la pintura ha entrado en programas de alto estrés sin que cohesione crisis de autorreflexión.

En la exposición “Enjambre contra cromático” de la galería La Pared en Fiducentro, Pereira, la curaduría se interesa por la tención que se establece entre el dibujo y la pintura. El dibujo de Mateo Pizarro enuncia un reconocimiento, pero no de las cosas que componen el mundo, sino como un aparato de guerra dedicado a hablar del cuerpo configurado como extensiones, donde, lejos de comparecer a dictámenes conceptuales, representa la fascinación por el evidente declive, por la belleza de lo absurdo y las anécdotas de vida, ahora convertidas en situaciones surreales cargadas de humor cínico. Pizarro entiende el dibujo como una intención por construir la imaginación y ello es positivo, ya que el triunfo de la imaginación contemporánea deriva del pensamiento collage. La pintura de Adolphe Lechtenberg debe entenderse como una pintura realizada sobre soporte de papel. ¿por qué de la aclaración? Pintar sobre papel contiene una poética diferente a la de pintar sobre cualquier otra superficie. El papel reclama su naturaleza de pulpa, su entramado de fibras, en resumen, su textura la cual termina por relativizar las sucesividad de pantallas pictóricas.

El artista que trabaja con y desde el papel funciona de manera diferente, es como si todo el trabajo de las pantallas pictóricas exigiera una determinada arqueología de la reserva. El trabajo del artista alemán fuerza y lleva al límite la autónoma independencia de lo resuelto del papel amate mexicano con incursiones temerarias de color. A mi modo de ver, el artista sabe de la sospecha que aún genera la pintura abstracta, principalmente porque ella ha perdido credibilidad frente a los contenidos objetivo-intelectual o la crisis de la subjetividad anclada en la expresión. Por esta razón, al ver sus composiciones, diríamos, constructivistas latinoamericanas, surge la necesidad por crear una nueva moda-tendencia que llamaremos “pintura neo-analítica”, asumida como organicidad, un nuevo pensamiento pictórico que se deshaga de toda relación interna productora de ilusión y de toda estructura compositiva cromática que extasíe cosas.

FOTOGRAFÍA E INSTALACIÓN EN LA ALIANZA FRANCESA
La instalación como medio de producción de sentido en el arte aparece por primera vez en los mosaicos de Ravena cuando la necesidad espiritual instaló un concepto evangelizante como decoración constatatoria en aquellos muros. Entendemos la instalación en el arte de hoy, no solo como el acto de instalar un concepto, sino como un gesto productor en sitio específico de taxonometrías derivadas de las relaciones entre símbolos. La exposición de Alexis Múnera “Sangre y canto” que actualmente se puede visitar en la Alianza Francesa de Pereira, presenta instalación y fotografía. El espectador se enfrenta a una serie de imágenes fotográficas documentalistas, una taxidermia ubicada a manera de escaparate de museo de historia natural, una impresión digital que representa sangre acumulada de gallos de pelea muertos y una edición de video.

La instalación, así como la hemos estudiado, es decir, como el acto de instalar un concepto es inexistente en la exposición ya que no logramos entender dos cosas esenciales, a saber, relación forzada entre objetos simbólicos y definición de la idea. Las taxonometrías fallan porque el autor no logra ubicarse en un posicionamiento ético en el asunto que ha descubierto (es como si la obra fuera el resultado de una tarea de algún taller, algo dirigido por varias personas). Debo aclarar que no sabemos si le interesa la apología al maltrato animal o si es una alegoría a la corrupción política, esto último porque el video (me resisto a asimilarlo como video arte) no deja de señalar que una pelea de gallos es el símil de las diatribas por el poder en Colombia.

En medio queda la única pieza que vale la pena de todo ese arsenal desaprovechado y mal configurado que el autor intenta comprender como instalación, la curiosa taxidermia de un gallo de pelea. Es preciso que aprendamos a identificar el significado de las palabras para hacer un uso, al menos aproximativo, a lo que se busca como signo estético y artístico. En la exposición de Múnera solo se ve una desestructurada especulación de intenciones, sin que exista un atisbo de inteligencia contemporánea de la imagen-arte, donde se sugiera al público que pensar en arte hoy (es arte pues se expone en una institución arte) significa la indefinición o lo gaseoso. Hacer arte hoy consiste en la ironía al presentar que los límites entre documentación, publicidad y arte son cada vez más difusos.
*Crítico de arte independiente

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