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Sara Kriendler Mejía: El Antropoceno, el ocaso de los ídolos
Publicado 08/03/2018

 

Editor: Óscar Osorio Ospina  | oscar.osorio@eldiario.com.co 
 


Aunque nació en Estados Unidos, la tierra de su padre, Sara Kriendler Mejia, se considera muy pereirana. Su madre y su familia materna tienen hondas raíces en esta tierra. Sara, quien es graduada en arte contemporáneo, será uno de los artistas que  abrirá la programación de exposiciones del Museo de Arte de Pereira este viernes 16 de marzo. En esta ocasión el museo presenta cuatro exposiciones: tres individuales y una colectiva, así como la inauguración de la Biblioteca Hernando Mejía Arias. La obra de Sara Kriendler hace parte de un concepto creativo que la artista llamó El Antropoceno, en donde el cuerpo humano y la mujer tienen un papel protagónico. 

 
Hablemos de su formación académica…
Antes de volverme artista estudié historia, no sabía todavía que quería ser artista, entonces empecé estudiando Historia Intelectual (Intellectual History) en la Universidad de Pennsilvania, no era una cátedra muy común pero yo digo que es la historia de la filosofía y esa formación me sigue ayudando mucho en mi arte. En esa línea de estudio saqué el grado que es Bachelor of Arts. Luego pensé en estudiar leyes, en ser abogada, y trabajé un año en una oficina de abogados. Pero allí decidí ser artista.
 
 
¿Cómo encontró su verdadera vocación?
Yo siempre tenía un lado muy creativo, pero no sabía que era posible ser artista. En Estados Unidos, cuando uno está estudiando, por ejemplo historia, tiene también la posibilidad de tomar cursos en arte. Allá es parte de la educación estudiar otras cosas. Yo tomé un curso de grabado y fue ahí donde descubrí que quería ser artista. Y aunque ahora no hago grabados, porque mi línea de trabajo es la escultura, mi obra todavía tiene la inspiración que viene del grabado.
 
 
¿Pero finalmente terminó estudiando arte?
Después, al decidir no estudiar leyes, volví a estudiar arte y lo hice en una universidad muy tradicional en Filadelfia, School of Visual Arts, que es la universidad más antigua de arte en Estados Unidos la cual surgió con base en la academia francesa. Allí todavía enseñan arte de manera tradicional. Estudié ahí cuatro años y luego hice una maestría centrada en Arte Contemporáneo (Master of Fine Arts) durante dos años. En ese tiempo aprendí como trabajar en bronce, en mármol, en dibujo y luego arte contemporáneo.

 
¿Cómo artista, cuál y dónde fue su primera exposición?
Después de terminar la carrera, la primera exposición importante para mí fue en Austria. Tres meses después de haber terminado la maestría, realicé mi primera exposición individual e internacional en la ciudad de Bregenz, en un centro cultural muy importante. Eso fue en el 2013 y desde ahí arranqué.
 
 
¿En Pereira desde cuándo podremos apreciar su obra?
La exposición, que se abre el 16 de marzo en el Museo de Arte de Pereira, tiene dos títulos. Yo hace cuatro años hice una exposición a la que llamé El Antropoceno y ese concepto sigue siendo una parte muy importante en mi trabajo, que es una línea que está en todas mis obras. En esta exposición, la primera parte del título de la obra es El Antropoceno, como título general, y la segunda parte de esta trilogía es: El ocaso de los ídolos. 
 
 
Hablemos un poco de El Antropoceno, como concepto general de su obra…
Este concepto lo descubrí cuando estaba haciendo una exposición hace cuatro años y en ese momento había una conferencia de geólogos que estaban hablando sobre el impacto humano en el medio ambiente, en la atmósfera. El argumento de ellos era que en la práctica estamos en una nueva época geológica, normalmente deberíamos estar en el Holoceno, pero ellos argumentaban que deberíamos darle un nuevo nombre a esta época porque el impacto del hombre, la huella humana es tan grande que ya no estamos en el Holoceno sino en el Antropoceno. Y para ellos esta es la época del ser humano. Por ello mi obra habla mucho de ese impacto y de lo que es ser mujer en el Antropoceno. 
 
 
¿En qué consiste la obra que trae a Pereira?
Yo siempre digo que hago esculturas e instalaciones, porque no siempre son esculturas tradicionales. A mí me gusta decir que cada exposición es como un poema y que éstos tienen estrofas y versos. En esta exposición hay cinco estrofas del poema. El diseño es hecho todo como un conjunto, conformado por cinco partes individuales.
 
 
¿Cómo se encadenan estas cinco partes o estrofas?
No tienen un orden literal, lo lindo del arte es ingresar al espacio y que cada persona pueda leer los versos del poema a su manera, no se sigue de arriba abajo, sino que se puede empezar también por el centro. No importa como se haga el abordaje de la obra.
 
 
¿La figura de la mujer tiene protagonismo en esta obra?
Si y varias partes del cuerpo. Yo utilizo muchas figuras que son los personajes de mi obra. Pero no son figuras que hago a mano, sino que las encuentro, en el mundo exterior hay tanto material que prefiero encontrar y mostrar lo que ya existe, antes que inventarme cosas nuevas. Yo creo que ya estamos inundados de cosas. Uno de los personajes que aparece en mi obra es un maniquí desechable de plástico, al cual le saqué un molde, yo utilizo mucho los moldes porque el Antropoceno sería imposible sin ellos. Así se logra cultura en masa y, en general, todo en esta vida sale de un molde o se fabrica en un molde. 
 
 
¿Qué se pregunta un artista a partir de esos moldes que dan vida a las obras?
Me gusta mucho hablar del impacto de los moldes, el cual es físico pero también simbólico. Es como preguntar cuáles son también los moldes sociales. Por eso al utilizar la figura de esta mujer, estoy preguntando cuáles son los moldes físicos y filosóficos y los que la sociedad nos impone. En todo caso, uno de los personajes centrales es ese maniquí del cual salieron doce figuras, pero además utilizo otras partes del cuerpo como las manos, que igualmente vinieron de un molde empleado para hacer guantes. Hay también un muro hecho con máscaras que salieron de un  molde de una parte de la cara. Todo al fin son moldes que he encontrado.
 
 
¿Se podría hablar de un mensaje central de su obra artística?
Yo digo que mi obra no sirve para dar respuestas sino para producir o plantear preguntas. Me interesa mucho más que uno pregunte cosas, no me gusta tener un mensaje literal, porque yo creo que lo que mueve a la gente en el arte son las preguntas, las cosas más complejas. El arte es como un sueño, y en un sueño una persona se puede convertir en otra, allí uno sigue una línea, pero cuando se despierta empieza a pensar y a interrogarse: ¿esto qué quiere decir?. En consecuencia, el arte es como un poema, en el cual algo puede decir dos o tres o cuatro cosas, pero explicar el poema y decir cuál es el mensaje central es como ahorcar el poema mismo.

 

 
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